De formación autodidacta, su inclinación a la pintura se manifestó de modo innato desde su adolescencia. No podía ser de otro modo en un pintor vocacional como Enrike Renteria. Pero lo que comenzó siendo "algo totalmente natural", según sus palabras, se convirtió luego en un "vicio" auténtico, en una vocación compartida con otros trabajos que no menguaron su pasión por la pintura.
A lo largo de su vida mantuvo intacta esta actitud y luchó a fondo para continuar pintando. Así Renteria, entregado al ejercicio pictórico, permaneció siempre atento a los matices propios del medio natural. Un brillo o un reflejo, la humedad de la lluvia, la niebla del amanecer o la calidez del sol poniente, son algunos de los motivos recreados en sus cuadros. Al aire libre, apuntando cada matiz, cada vibración de la naturaleza.
Paisaje emocional
Paisaje emocional es una exposición que rinde homenaje a Enrike Renteria. Un pintor que supo captar el entorno con la emoción y la intensidad de quien ama profundamente su tierra. Cada lugar, cada rincón descrito en sus lienzos pertenece a un espacio vivido, a un momento sensible de su biografía. Sus paisajes tienen alma y poseen la misma humanidad que su autor. Un hombre noble, honesto, de honda religiosidad y muy arraigado a su pueblo. Sus cuadros manifiestan un pintar con honradez, al margen de estilos o formas; un pintar con sentimiento que busca la parte espiritual de las cosas.
De formación autodidacta, su inclinación a la pintura se manifestó de modo innato desde su adolescencia. No podía ser de otro modo en un pintor vocacional como Enrike Renteria. Pero lo que comenzó siendo "algo totalmente natural", según sus palabras, se convirtió luego en un "vicio" auténtico, en una vocación compartida con otros trabajos que no menguaron su pasión por la pintura.
A lo largo de su vida mantuvo intacta esta actitud y luchó a fondo para continuar pintando. Así Renteria, entregado al ejercicio pictórico, permaneció siempre atento a los matices propios del medio natural. Un brillo o un reflejo, la humedad de la lluvia, la niebla del amanecer o la calidez del sol poniente, son algunos de los motivos recreados en sus cuadros. Al aire libre, apuntando cada matiz, cada vibración de la naturaleza.
Paisajes abiertos e interiores, de iglesias y ermitas, componen la geografía próxima que el pintor traslada a sus cuadros. La iglesia de Santa María y otros parajes peculiares de Amorebieta, como la plaza o el puente; los alrededores cercanos ligados al ámbito rural y ciertos interiores familiares que siempre respiran hacia una vista exterior, ya sea la torre de la iglesia o un fondo de montañas y cielos de amplios horizontes.
La obra de Renteria se acerca por convicción a la imprenta impresionista, en el color o en la captación de la luz; pero se distancia de ella por la presencia del dibujo como base de la pintura. Su trayectoria pictórica evoluciona desde la espontaneidad del color, en sus primeros cuadros, hasta un trabajo posterior mucho más elaborado dominado por el dibujo. De este modo realiza pinturas que reflejan un sentido narrativo, ingenuo, de carácter costumbrista y popular. Mientras, otros lienzos ofrecen un rico repertorio unido al paisaje y a la naturaleza que en ocasiones llega a visiones casi simbolistas y naif, de dibujo abocetado atento a los detalles; e incluso al final, su obra acusa cierto exceso de tono cromático.
Era Enrike Renteria un hombre que tenía la inquietud de conocer el origen de las cosas y su afán de conocimiento le llevó a la recuperación de restos arqueológicos, estelas y piedras inscritas que encontraba en los parajes donde acudía a pintar. De excelente memoria, conocía a la perfección las historias y personajes locales, lo mismo dibujaba un croquis con la situación de los puentes viejos de Amorebieta que representaba una típica escena de mercado en la plaza al estilo de otros tiempos, guiado por imágenes de fotografías antiguas.
El artista parece sentir la necesidad de evocar el pasado para buscar en él las raíces de su pueblo. Hay en su obra una parte de ensoñación, de visión mística de la realidad. Y es que Renteria, al igual que a otros tantos artistas vascos, sufrió las consecuencias de la guerra civil y la difícil situación de la posguerra, lo que no sólo interrumpió bruscamente su trayectoria y aspiraciones estéticas, sino que afectó especialmente a su ánimo. Así la sensación de ruptura y de pérdida se apoderó del pintor.
Por otro lado, las escasas exposiciones individuales de su obra demuestran su modesta intervención en la vida pública, a pesar del apoyo crítico obtenido. Tal vez porque tenía "la cualidad de la timidez" que ha distinguido al arte vascongado, como bien decía Miguel de Unamuno. El caso es similar a la actitud reservada de artistas vascos contemporáneos a él, como Enrique Nieto Ulibarri o Jesús Basiano; y muy distinto al de su amigo José María Ucelay. El pintor de Bermeo realizó, con su característico estilo lineal, un estupendo retrato de Renteria, en 1970, en una de sus habituales visitas al artista de Amorebieta. Éste sentía gran admiración por su arte, juntos pasaban largas horas conversando sobre la pintura, y en verdad, sus cielos bien pueden relacionarse con los de Ucelay. También, siendo albacea del legado de los herederos de Adolfo Guiard, recogió de él algunos de sus rasgos.
Centrado en su pintura Enrike Renteria creó una obra muy personal inscrita en el gusto por la pintura al aire libre, vinculado a las experiencias sobre el paisaje imperantes por entonces en el País Vasco y herederas, a su vez, de la tradición impresionista anterior de artistas como Regoyos, Gulard o Amárica. Pero los paisajes de Renteria participan de la vertiente romántica decimonónica, buscan en la naturaleza la expresión espiritual, poética, del alma y sobre todo, expresan su honda emoción ante el paisaje, ante la vida.
El artista y la historia del arte
Me refiero a Enrique Nieto Ulibarrí, Pedro Muñoz Condado y Enrique Renteria, los tres en la línea honesta propia de la anterior generación, bien dotados y con una paleta que hacía honor a las entonaciones rigurosas y suaves que da el país". Como prueba de las dificultades económicas de aquella situación se tuvieron que ganar la vida con otras actividades: "Enríke Renteria aferrándose a la barra de un bar enmarcado por robles impresionistas” (5).
El creador zornozano colaboró con Mauricio Flores Kaperotxipi aportando informaciones para el libro Arte Vasco (6). Para el escritor y pintor afincado en Argentina: "Enrique Renteria, el destacado pintor de Amorebieta, que comenzó a pintar sin maestros y que tiene, tal vez por eso mismo, acusada personalidad. Siempre se le oye, pese a sus verdaderos aciertos, y con la modestia que le caracteriza "que está empezando” (7).
En otro apartado indica, "Enrique Renteria, hace sus paisajes de una manera cautivadora. Hay cuadros suyos en Bilbao, Durango, San Sebastián, Madrid, Estados Unidos, Francia, Bélgica, Filipinas. Es decir, hay cuadros suyos por toda la redondez de la tierra. Enrique Rentería, en sus paisajes, pone algo más que el color, el dibujo y la técnica, pone el alma, como se ve en estas palabras de La Gaceta del Norte, de Bilbao:” ... y es que en ese lienzo pintado por Enrique Rentería con toda su alma de artista, ha sabido reflejar toda la simpatía de nuestros más bellos rincones”. Se le ve pintar, además de las cosas que tiene a la vista, lo que hay entre él y lo que tiene precisamente a la vista. ¿Qué es ello?. El periódico Hierro, de Bilbao, contesta, hablando del artista: "ese elemento tan importante y tan olvidado para otros que es la atmósfera...”. Buen pintor, Enrique Renteria. Y de los que siguen pintando”. (14)
La investigadora Pilar Mur no hace ninguna valoración, ni para bien ni para mal y no le selecciona a la hora de hacer el balance de la Asociación de Artistas Vascos (9). Simplemente recoge su participación en la misma e indica lo que publica la prensa de la época con motivo de su única individual en la sala que el grupo tenía en la Gran Vía: que la mitad de las obras expuestas en su primera aventura expositiva era conocida pues pertenecía a colecciones particulares. Lo que manifiesta que su actividad tenía aceptación social.
Juan de Aróstegui Barbier no le cita en su libro La pintura vizcaína de la postguerra (10). Y es que no va a participar en las labores de los nuevos cenáculos artísticos surgidos después de la guerra civil, casos del Grupo del Suizo (1941), la Asociación Artística Vizcaína (1945) y la Agrupación de Acuarelistas Vascos (1944), sociedades constituidas por algunos artistas y sobre todo por bastantes aficionados, algunos de ellos vinculados al régimen franquista.
Al analizar el período posterior a la guerra civil, para Ana María Guasch Enrike Renteria se sitúa en la posguerra junto a otros autores en torno a los 40 años de edad en "una pintura que no traspasa los límites del paisaje y del retrato, en lo temático, y del vago postímpresionismo, en lo estílístíco” (11).
Tras señalar que es uno de los principales representantes de la tendencia, continúa: "En el contexto pictórico del impresionísmo y, en particular, de algunas tendencías postimpresíonistas, como el puntillismo, cabe incluir la labor del pintor vizcaíno Enrique Renteria. Su técnica que parte del conocimiento de Darío de Regoyos, con el paso del tiempo se deja influenciar por la obra de Arteta, en es pecial en su última época (años 70) en la que parece hacer repaso de la pintura vasca de preguerra(12).
Son varias las discordancias. La existencia de puntillismo en la pintura de Renteria es sólo algo muy parcial y adscrito a algunas áreas, no al cuadro en general. La relación con Arteta no existe, como tampoco el intento de repasar a la anterior pintura vasca. Son inexactitudes que no se ajustan para nada a resultados e intenciones.
Por otro lado, la dependencia con la obra de Regoyos es un lugar común que se ha jaleado en exceso por comentaristas, historiadores y críticos; algo con lo que el propio artista no estaba de acuerdo. Existen en algunas piezas de los comienzos ciertos vínculos tonales y de trazo, pero también hay notables divergencias. En la obra de Renteria el dibujo está más presente, tanto en los interiores como en los paisajes, con o sin figuras. Su exceso le lleva al ingenuismo, mientras que el asturiano alcanza el clima naif por despreocupación y ausencia de estudio lineal preciso. Frente a un deje subjetivo y algo distorsionado, hay en el vizcaíno un tono de equilibrio y armonía, resultado de experiencias sensibles fuertemente idealizadas. Llega a calidades ornamentales en algunas partes e incluso a ensoñaciones irreales en otras. El cromatismo es más cálido y tiene una paleta de mayores intensidades en luces y atmósferas. Con una pupila muy afinada describe elementos de modo preciso y sintetiza otros hasta conformar unidades plásticas, cuyas cualidades globosas, con masa y sin peso, le sirven para representar paisajes nevados, piedras y nubes, cuyos cielos recuerdan a los más imaginativos de Ucelay.
En la actualidad no se conoce demasiado bien la pintura de Enrike Renteria Mardaraz. Las nuevas generaciones saben muy poco de él. La totalidad de la obra se encuentra en manos privadas y no existe ningún estudio en profundidad. Son muy contadas las ocasiones de ver su obra.
No siempre se ha sido muy justo con su labor pictórica y existe alguna inexactitud en lo publicado por historiadores y críticos. Incluso se le da como fallecido tres años antes del fatal desenlace, lo que ocurrió el 16 de noviembre de 1982 (3). Una anécdota que ilustra su renuncia a todo acto social y el encierro del artista en Amorebieta, pueblo donde nació el 9 de febrero de 1900.
Según recuerda el artista y corrobora Manuel Llano Gorostiza (4) fue descubierto por Juan Gorbea y Luis Iceta, capitán del Athletic de Bilbao, quienes mostraron su obra a los pintores Isidoro Guinea y Antonio de Guezala. Fue entonces, en 1924, cuando se le admitió como miembro de la Asociación de Artistas Vascos, sociedad de la que formó parte hasta su disolución con ocasión de la guerra.
Para el citado periodista e historiador su primera presentación individual en la sala de la Asociación de Artistas Vascos en 1928, “fue un éxito rotundo. Desde entonces, ha venido exponiendo en la capital vizcaína con relativa frecuencia y siempre maravillosamente acogido por crítica y público”. Después indica que Renteria "vive una formación autodidacta para entregarse al paisajismo impresionista a lo largo de una producción cuantiosa en la que destacan sus cualidades humanas y su franciscanismo, un poco a la manera de Regoyos aunque con raíces más populares y menos cultas”.
En el capítulo dedicado a analizar el arte de posguerra en el País Vasco, el mismo autor indica: "La situación resultaba inestable. Los más jóvenes, aún inmaduros, no pudieron alcanzar el veredicto de la época rigurosa. Y, desde luego, aparecían demasiado honrados para poder triunfar sobre el confusíonísmo de las medallas concedidas por votacíón de los propios expositores."
La lucha por la vida
Cuando al fin pudo abandonar el penal y regresar a su pueblo, han cambiado muchas cosas. Venciendo el desánimo y abatimiento natural, continúa su labor pictórica. Renueva su compromiso con el repertorio plástico del paisaje y llega a realizar tres muestras individuales en 1940, 1947 y 1951. Pero se recluye y ensimisma más si cabe, rodeado de seres no sólo acechantes en lo político sino absolutamente desarmados culturalmente y con escaso interés por el arte.
El escenario de posguerra está totalmente huérfano de aspiraciones, romo y chato en lo artístico. Un contexto que no ayuda a insuflar demasiados cambios en su aventura creativa, quedando instalado definitivamente en la arquitectura mental y plástica de los comienzos.
La obra y el hombre rememoran el pasado. Sin excesivas renovaciones estuvo rodeado por el legado que le dejaron los descendientes de Adolfo Gulard al marcharse al exilio, bagaje que guarda y cuida con mimo. Conociendo al dedillo sus dibujos y pinturas, le dejan el poso de una leve influencia. Renteria obvia el gris y apastela la paleta, actividades que parecen tener lejanos ecos en los azules y rosas del pintor bilbaíno. El dibujismo de las figuras recuerda también su "ensusiate dentro”, según la fórmula heredada de Degas que asume la tradición de la probidad del dibujo de Ingres.
Durante los sesenta Enrike Renteria se ausenta del panorama expositivo y queda relegado al trabajo familiar y a continuas salidas a pintar al aire libre. Con el tiempo su nombre fue olvidándose, siendo una referencia en los libros. Hasta el punto que al exponer en la galería Windsor, se celebra su vuelta como un descubrimiento que le rescata de años de silencio (16). En el espacio bilbaíno de Marqués del Puerto realiza dos exposiciones individuales con las que vuelve al primer plano de la actualidad. Tanto en 1973 (del 1 1 al 20 de octubre), como en 1978 (del 7 al 28 de febrero), su obra tiene gran aceptación.
En paralelo la Editorial La Gran Enciclopedia Vasca le dedica dos fascículos de su Biblioteca: Pintores y escultores vascos de ayer, hay y mañana, en los que se reúne una recopilación de textos críticos e imágenes de setenta y dos pinturas. Asimismo, su vida y la obra son recordados muy especialmente con ocasión del homenaje que tiene lugar en la Sociedad Bilbaína. Un acontecimiento promovido por Miguel y Roberto Sáenz de Gorbea que se celebra el 9 de febrero de 1978. Con el acto le llega el agradecimiento de artistas, aficionados y coleccionistas. Es un tiempo de reconocimiento y renovados bríos que coincide con el final del túnel franquista.
Tras años de pasión creativa, pudo ver recompensados finalmente sus esfuerzos después de tantas soledades interiores y no pocos momentos de incomprensión. Enrike Renteria supo pintar aquello que mejor conocía, su paisaje cotidiano y vital, en la idea de transmitir unas experiencias honradas y emocionalmente sentidas.
NOTAS:
(1) Eibar'ko BENKUA. Entrevista a Antonio Guezala, presidente de la Asociación de Artistas Vascos, en La Tarde, 17-VIII-1931.
(2) Catálogo Exposición Homenaje a Enrike Renteria. Amorebieta, 1984
(3) En la segunda edición del libro de Manuel Llano Gorostiza, Pintura Vasca (1980), se le dio por muerto en 1979.
(4) En Pintura Vasca, Ed. Grijelino, Bilbao, 1966, p. 235. (5) Op. Cit., p. 155.
(6) El pintor y escritor Mauricio Flores Kaperotxipi se lo agradece en la p. 315. El libro fue editado por Ekin, Buenos Aires, 1954.
(7) Op. Cit., P. 106.
(8) Op. Cit., pp. 268-269.
(9) Pilar MUR. La Asociación de Artistas Vascos. Museo de Bellas Artes de Bilbao, 1986, p. 129.
Ed. La Gran Enciclopedia Vasca, Bilbao, 1972.
Ana María GUASCH. Arte e ideología en el País Vasco: 1940 - 1980. Akal, Madrid, 1985, p. 78.
(12) Op. Cit., p. 79.
(13) zp BERRIAK. Entrevista en La Gran Enciclopedia Vasca Vol. XXIII, fasc. 247, pp. 252-257.
(14) op. Cit.
(15) Xabier SÁENZ DE GORBEA. Memoria histórica de las artes plásticas en Vizcaya durante la segunda república (1931- 1937). Tesis de licenciatura, inédita.
(16) Laurcano MUÑOZ VIÑARÁS. Hierro, 20-X-1973.
1920-1946
1947-1956
1957-1969
1970-1981
La época republicana y la experiencia de la guerra
La década de los treinta es un tiempo pleno de entusiasmo colectivo y de logrados éxitos en lo individual. La ilustración de revistas de corte nacionalista como Euzkerea jagíjagí, fue una de las salidas profesionales en la que con buen dibujo realiza caricaturas, alegorías con figuras y paisajes con punto de vista muy alto (15). Incluso hace una serie de trabajos gráficos para el diario El Sol de Madrid, por indicación de su buen amigo Andrés Espinosa, el montañero del Ulmanjaro. En 1932 participa con Tarde de Domingo en la Segunda Exposición de Artistas Vascongados. En 1933 se presenta en Barcelona con la Asociación de Artistas Vascos y lo hace con cuatro paisajes, en un catálogo que reúne a veintiocho creadores vascos. En la Tercera Exposición de Artistas Vascongados de 1934 muestra dos obras, Tres caballos y Cerezo florido. Durante la guerra civil, en 1936, el Gobierno Vasco organiza una exposición itinerante de arte vasco por Francia, en la que se exhibe su obra en Bíscaye.
Las circunstancias y el compromiso personal le conducen a la cárcel. La producción creativa de este tiempo es un capítulo poco o nada conocido de su obra. En ella se refleja un especial sentimiento. La ausencia de libertad debió ser un mazazo para alguien necesitado del aire y la luz exterior. Las escasas pinturas y los muy numerosos dibujos reflejan una actitud que difiere del resto de su producción. Hay una manifestación doliente, por un lado. Y por otra, una intencionalidad política en la que llega a realizar imágenes surrealizantes. Es el caso de la bicicleta conducida por un esqueleto que saluda con el brazo en alto a la manera franquista.
Llevado por su necesidad de reflejar lo vivido, es uno de los escasos artistas que han aportado algún testimonio de este tiempo. A recordar distintos apuntes de grupos de soldados e incluso cuadros en los que se observa el interior de la cárcel y al artista en la oscuridad.
Pintor del entorno
Era un hombre profundamente bueno en el exacto sentido de la palabra. Sabía decir con una mirada más que muchos con mil palabras. De su entorno nada le era ajeno, conocía a la perfección la orografía y los caseríos vizcaínos. Muchos secretos del pasado fueron rescatados gracias a su conocimiento y por su enorme capacidad de percepción. Fue cómplice de las personas que tenían la pasión por la historia y la cultura vasca. Sufría con los que sufrían. Se entusiasmaba con quien compartía ideas y actitudes. Las distancias y la edad no le amedrentaban demasiado.
Desde Amorebieta y sin coche podía ir a una conferencia impartida por un muchacho en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao y colocarse en la última fila, como un alumno más. Con la misma facilidad se acercaba con sus bártulos al monte y recorría kilómetros para captar aquella luz que le extasiaba, observar la humanización de la arquitectura, elegir un encuadre o dar con la atmósfera emocional de un lugar.
Conocí al pintor antes que al hombre. De joven solía pasar por el bar que regentaba en el centro de Amorebieta, allí siempre me llamaron la atención los lienzos existentes en sus paredes. Fue entonces cuando me hablaron de él. Para el Pueblo fue un raro, un "setebre", un extravagante que pintaba, alguien distinto. Después y gracias a la galería Windsor pude conocer a la persona, su amabilidad y cordialidad eran proverbiales, tenía enorme porte y distinción natural, sin afectación alguna. Supe de su interés por el arte y de su paciencia para responder a las preguntas de todos. En él la modestia era proverbial. Sin alharacas, sus silencios cómplices estaban cargados de sensibilidad y fuerte emoción humana. Mi reconocimiento.
La pintura de Enrike Renteria no debe verse únicamente como el desarrollo de un todo. Aunque, tras consolidar el lenguaje y adquirir las necesarias seguridades, apenas evoluciona a lo largo de su vida. Sin embargo el cambio de tema le permite desarrollar unos tonos y caracteres distintos. De modo muy especial hay que distinguir entre los paisajes y las escenas de interior, así como separar la excepcional experiencia vivida durante la guerra civil y el período de estancia en la cárcel. Además pinta auténticos cuadros abstractos en la parte posterior de los cuadros. En este espacio ensaya no sólo las cualidades cromáticas, sino también entrelaza planos según estructuras geométricas. De haber presentado estas obras de modo autónomo bien pueden ser consideradas como las primeras aportaciones abstractas en la pintura vizcaína. El artista se enorgullecía de esta práctica y la enseñaba. Hombre meticuloso como pocos, asimismo, incorpora a sus cuadros un monograma, la fecha de realización en números romanos y con frecuencia el título al dorso, muchas veces escrito en euskera.
Tras ser descubierto por coleccionistas y artistas bilbaínos en su Amorebieta natal, compagina la pintura con mil y un trabajos. Sigue al pie de la letra las indicaciones de Antonio de Guezala, uno de los adalides de la Asociación de Artistas Vascos, sociedad que le acepta en sus filas en 1924, cuando apenas tenía veinticuatro años. Pese a ser presentado como una esperanza “y valiendo mucho” (1), le aconsejó que no se dedicara en exclusiva al arte. Tengo escrito que fue un error (2). Se equivocó porque el arte no solo es vocación y facultades, sino que también exige desarrollo e insistencia, acumulación de estímulos externos, conocimiento e intensa dedicación para el fomento creativo. Por compartir su tiempo con otros trabajos, como carpintero, operador de cine, artista de teatro, barman, montador de teléfonos, proyectos de casas, constructor de ataúdes, cunas o muebles, no expuso mucho pese a escaparse a pintar cuando la situación se lo permitía.
La pintura del paisaje
El paisaje es lo que más caracteriza al autor. Por lo que se le recuerda especialmente. Es lo que expuso de modo habitual. En la primera muestra en 1928, presenta veintiséis lienzos en los que su predominio es total, aunque a tenor de los títulos hay un par de interiores, una obra de motivo religioso e incluso un boceto de retrato.
Habiendo pintado en 1927 un espléndido autorretrato, parece increíble que no frecuentara el género del retrato. Por su proverbial timidez, puede decirse que no se encuentra cómodo delante de seres humanos desconocidos o que no le resultan simpáticas las típicas indicaciones de los retratados. Pese a estar dotado para ello, no acepta demasiados encargos ni los hizo de motu propio. Tampoco plasma el espíritu costumbrista de buena parte del arte que se hacía entonces en el País Vasco.
A tenor de lo pintado Renteria se interesa de modo singular por la naturaleza y voluntariamente se consagra al paisaje. hay en tal decisión un ideal panteísta, el gusto por el monte y la vida al aire libre, un énfasis recopilatorio de todo lo que le rodea, y una aceptación de la herencia romántica, procedente del espíritu decimonónico que se proyecta a través de la herencia impresionismo y sus derivados.
Fue un especialista. Se dedicó en cuerpo y alma al paisaje. Como el propio artista indicó con ocasión de una de las pocas oportunidades en las que concedió una entrevista: “Yo estoy en que la naturaleza me desborda a mí y a todos, y que por mucho que sueñes hay un momento en la calle que te desborda, ves un atardecer o un efecto de luna en un lugar y dices, esto yo no lo he soñado nunca, es decir que si hablando poéticamente, si somos humanos, si estamos hechos para ver... eso es lo que yo busco (13).
Contra la plena adscripción al impresionismo el autor se revela: “yo busco otra cosa, la parte espiritual”. A continuación, honesto y humilde, dice: "quisiera dar con ello, pero a lo mejor no lo consigo”. Y es que, frente al retinianisnio propio de la tendencia francesa, trata de insuflar no sólo el ambiente de un determinado universo físico, sino también un acusado sentido de pertenencia emocional. No se trata de utilizar unos determinados elementos plásticos establecidos, conforme hicieron los creadores franceses, para con el nuevo código continuar aquella labor; cuanto de darle un sentido menos huidizo y fugitivo, más trascendente y definitorio del momento. Entre el objeto temático y el individuo existe un lenguaje de base, pero el artista lo emplea con objetivos diferentes.
Se debate entre el idealismo cromático y la realidad verosímil de algunos detalles. Tiene un muy particular sentido de combinar al mismo tiempo el clímax ambiental y la descripción pormenorizado de elementos que quiere destacar. La descarga subjetiva se aplica en objetivar con minuciosidad fragmentos que responden al interés del artista por subrayarlos y certificarlos quasi notarialmente con especial querencia y sentimiento fervoroso.
El artista moderno, decía Baudelaire, es una especie de espadachín que elimina lo accesorio para captar lo eterno de lo efímero. Para Renteria la naturaleza es una emoción pura que no se agota ni puede reflejarse, mientras que los caseríos y arquitecturas humanizan el territorio, reflejan el espíritu de las gentes que viven en su contexto natural, un hábitat al que están habituados y forman parte preferente del medio, algo que puede pintarse con mayor claridad y nitidez. Dotado de una mirada penetrante, su pupila era capaz de describir con detalle las piedras de un caserío o las hojas de un roble.
En una misma obra sabe combinar el análisis y la síntesis, como estableciendo una distancia entre lo visto y lo vivido, el apunte al natural y el recuerdo en el taller. Desde estas perspectivas lleva cabo una tensión entre el dibujo y el color. "Sí, pero el paisaje, que es lo que más hago -indica-, no hace falta dibujar eso es muy fácil; ahora, dibujar también dibujo' (14).
Su repertorio de motivos es grande. Abarca todas las posibilidades del paisaje con la excepción del marino. Las distintas luces del día y estaciones del año reflejan la amplitud fervorosa de su visión. Se ocupa del frío del amanecer del mismo modo que capta el ambiente sereno de la caída de la tarde o la humedad del remanso de un río, la luz nocturna, el velado de la lluvia y el calor del sol al mediodía.
Pinta tanto la naturaleza montañosa con algunas señales humanas como los límites entre el pueblo y su entorno orográfico, algo tan típico y propio del contexto zornozano, e incluso tiene lienzos que reflejan parte de la vida ciudadana. Su pueblo lo representó desde todos los ángulos. Las imágenes de la plaza y la torre de la iglesia fueron motivos especialmente repetidos, los conocía al detalle al formar parte de la iconografía cotidiana en la que él se movía. Los puntos de vista de los lienzos difieren. Observan la realidad a ras de suelo, desde abajo, o mediante picados que permiten abarcar una mayor superficie.
Con armonía y serenidad, alcanza tonos relamidos en ocasiones, como de postal. Siendo pintor al aire libre, los cambios implican distintos niveles de aciertos.Al destacar algunas plantas y árboles, la naturaleza toma una característica dicción tropical, algo naif e ingenua, cuyas estructuras autónomas contrastan con la dicción del resto de los elementos representados. Una característica especialmente atractiva de su obra son las cortinas de manchas bitonales. Las pinta en paralelo al plano de superficie e interrumpiendo la perspectiva y en ocasiones conforma haces paralelos de luces. En todos los casos le sirven para crear un clima cargado de sugerencias.
Las figuras pueden ser un tanto estáticas y amuñecadas. Las gamas tonales están muy remarcadas por el dibujo. La presencia de hombres y mujeres realizando sus actividades cotidianas, introduce la anécdota y revive la nostalgia del pasado, una tradición que en la pintura vasca tiene ilustres antecedentes, como en el caso de Manuel Losada. Enamorado, de la sencillez de los interiores de Benito Barrueta, desarrolla una actividad en este género. Algunos cuadros reflejan el recogimiento de iglesias y ermitas, eligiendo espacios humildes; otros lienzos alumbran el universo doméstico y familiar de salones y cuartos de estar. La atmósfera se vuelve densa al tiempo que oscurece la paleta. En un Interior fechado en 1920 se llega a ver en la pared un cuadro de remeros de Aurelio Arteta, cuyo modelo sirvió para confeccionar distintas pruebas litográficas y fue empleado para la realización de azulejos que se colocaron en el exterior de algunas viviendas.